L’origine di un nuovo concetto di arte
L’artista francese Marcel Duchamp è stato una figura chiave del movimento Dadaista. Dada era un movimento artistico sviluppatosi in Europa dopo la Prima Guerra Mondiale che celebrava il caso, l’irrazionalità e l’anti-estetismo al posto degli standard artistici convenzionali.
Secondo questo articolo, il tanto atteso debutto dell’ultima opera di Marcel Duchamp era previsto per l’aprile 1917. La prima mostra della Society of Independent Artists attirò la crème de la crème del mondo dell’arte. La folla si disperse su un piedistallo al centro del Grand Central Palace di New York, dove un telo di copertura venne accuratamente sollevato per mostrare un semplice orinatoio con la firma “R. Mutt 1917” chiamato poi Fontana.
Se l’obiettivo dell’arte è ritrarre come va il mondo, allora quale approccio migliore per catturare l’assoluta assurdità di milioni di ragazzi che muoiono soffocati sui campi di battaglia della Prima Guerra Mondiale se non un orinatoio in una galleria d’arte, sostenne Duchamp quando gli fu chiesto di spiegare la sua arte.
Il Dadaismo era caratterizzato dall’abbraccio del caso, dell’irrazionalità e dell’anti-estetismo, rifiutando i valori convenzionali. Gli artisti dadaisti utilizzarono una varietà di discipline, come l’arte visiva, la performance, la poesia e il collage, per sfidare le idee convenzionali sull’arte e sulla società. Il Surrealismo e altri movimenti d’avanguardia dell’inizio del XX secolo sono stati fortemente influenzati dal dadaismo.
Secondo Duchamp, se si trovava offensivo e sciocco un orinatoio, la gente doveva essere inorriditi e identificare la follia che stava colpendo il mondo fuori dalla galleria, figuriamoci dentro di essa. Egli ha quasi affermato che l’arte non ha alcuno scopo di fronte a tale follia. Anche se all’epoca poteva sembrare senza senso, ammirarne la maestosità poteva almeno suscitare un vivace dibattito.
L’avvento di nuove tecnologie e il conflitto che portò gli artisti ad adottare nuovi modi di pensare fu particolarmente rilevante per artisti come Duchamp. Non era più molto utile cercare di dipingere una scena se ora era possibile riprodurne accuratamente le sembianze. Con ciò, la realtà fu per lo più abbandonata.
L’enfasi per i pittori era ora quella di astrarre in qualche modo l’essenza di una situazione e trasmetterla in un atto di selvaggia sfrontatezza. Seguirono centinaia di sottogeneri dell’arte contemporanea, dall’espressionismo al cubismo e tutto il resto. In parole povere, il nuovo obiettivo era ridurre l’idea della violenta follia della Prima Guerra Mondiale a un’unica allegoria emotiva. Gli artisti dovevano guardare al di là di ciò che un’immagine avrebbe potuto mostrare per arrivare al nucleo astratto di essa, mentre le macchine fotografiche catturavano la realtà.
In seguito, le porte si spalancarono per una varietà di modi creativi di rappresentare il mondo moderno. Il messaggio ha iniziato a prevalere sull’efficacia dei mezzi, a partire dall’orinatoio. Era vero che la maggior parte delle cose erano state create e che le macchine fotografiche stavano catturando il resto, quindi l’astrazione sembrava essere il modo migliore per far avanzare l’arte nell’era tecnologica.
Un giorno Duchamp poteva introdurre un gabinetto da una parte del mondo e il giorno dopo gli accademici australiani lo prendevano in considerazione. Questo vale ancora oggi. Prima del gabinetto di Duchamp c’erano molte altre opere d’arte contemporanea, ma la sua schiettezza ne ha fatto il simbolo del movimento. Oggi, non solo la sua astrazione, ma anche il suo antagonismo controverso e le sue modalità di discussione sono una parte centrale dell’arte. La massima di Aristotele è ancora valida: “Lo scopo dell’arte è rappresentare il significato delle cose”.
